La Sombra sin Dueño comienza con el viaje de Sofía y Lucía, madre e hija, a la casa de los abuelos: una pareja de ancianos, una esposa complaciente y cálida y un esposo cascarrabias de pocas palabras. Durante su estancia, Sofía trata de ayudar lo más posible, mientras que Lucía, más aburrida que ocupada, siente curiosidad por explorar la antigua casa. Descubre que hay algo sobrenatural en ella y, a los días, se encuentra con una sombra viva que parece no pertenecer a cuerpo alguno. Lucía se hace amiga de ella; sin embargo, no es la única que habita la casa; existe otra, hostil, recelosa y acechante. Lucía decide investigar la profundidad de este misterio para encontrarse con realidades familiares ocultas bajo un velo sobrenatural.  

Concepto, Investigación y Moodboard

Primero necesitábamos identificar la intención emocional de la historia que queríamos contar. Para ello, nos guiamos por los géneros narrativos; sin embargo, no siempre nos referimos a un género específico, a veces es una mezcla o algo discontinuo que salta de uno a otro. Los casos más originales son, en sí mismos, la invención de uno nuevo.First, we needed to identify the emotional intent of the story we wanted to tell. To do this, we were guided by narrative genres; however, we didn't always refer to a specific genre. Sometimes it's a mix or something discontinuous that jumps from one to another. The most original cases are, in themselves, the invention of a new one.  

Queríamos lograr un equilibrio entre una película de crecimiento, familiar y de terror. Con esta guía, podíamos comenzar una búsqueda más profunda y específica de inspiraciones.We wanted to achieve a balance between a coming-of-age, family, and horror film. With this guide, we could begin a deeper and more specific search for inspirations.  

Que trabajemos un proyecto de animación no implica que las inspiraciones provengan únicamente de otras obras de animación. Para fijar la tendencia estética de nuestra obra, debemos investigar más allá del género: imágenes, paletas de colores, películas, música, obras literarias o casos, fotografías y elementos de la misma realidad. 

Llamamos a la recopilación de todas estas inspiraciones un moodboard, que podemos organizar en un collage emocional para crear la atmósfera matriz de nuestra obra. No es una identidad, sino una atmósfera, un caldo de inspiraciones para desarrollar el perfil y estilo de nuestra animación.  

El director tenía la idea de un desarrollo en blanco y negro, ya que el juego de luces y sombras se toma como protagonista; el alto contraste, la soledad y el contraste entre lo moderno y lo antiguo eran los signos a seguir.The director envisioned a black-and-white development, where the play of light and shadow takes center stage; high contrast, solitude, and the contrast between the modern and the old were the guiding elements.

Elementos Animados y Cinematográficos

El moodboard nos ofrece una rica variedad de inspiraciones diversas, con las cuales podemos experimentar para definir nuestro estilo único en la animación. Desde ángulos y tomas, hasta la cantidad de intervalos de cuadros deseados y técnicas plásticas (ver más adelante).The moodboard offers us a rich variety of diverse inspirations, with which we can experiment to define our unique style in animation. From angles and shots to the desired number of frame intervals and artistic techniques (see below).  

La consistencia de nuestra obra puede aprovechar otros efectos narrativos que alternen el estilo original. Por ejemplo, el uso de flashbacks puede implicar otra paleta de colores; un sueño puede estar filtrado por efectos de bruma, y la perspectiva de un personaje puede distorsionar las formas del mundo. Tener estos casos bien definidos antes de comenzar una producción es evitar la improvisación.Consistency in our work can leverage other narrative effects that alter the original style. For example, the use of flashbacks might involve a different color palette; a dream could be filtered by mist effects, and a character's perspective might distort the world's shapes. Having these cases well-defined before starting production avoids improvisation.  

No olvidemos que hablamos de animación, por lo que es fundamental determinar los límites de la deformación. Para una obra más sobria y con temas adultos, un estilo más realista que respete las reglas de la física puede ser más favorable. Sin embargo, en una animación juvenil y disparatada, romper las leyes de la física y la exageración pueden maximizar la intención emocional.

En "La Sombra sin Dueño" para el mundo humano, buscábamos un estilo con proporciones y físicas realistas. Sin embargo, utilizamos la caricatura para deformar las expresiones y rasgos de los personajes. Para los personajes sobrenaturales, los límites estaban en otro lugar, ya que hablamos de sombras animadas; pensamos en manchas negras que podían adoptar multitud de formas y tamaños. Jugar dentro de estos umbrales bien definidos nos ofrece una gama muy interesante de acciones y afectos sin romper la consistencia de la obra. Finalmente, para todos los personajes, usamos una línea de contorno inconsistente y vibrante para dar la sensación de un dibujo a mano tradicional.

 Los fondos tendrían un estilo distinto al de los personajes: técnicas de claro oscuro en aguafuerte. Este contraste entre personajes y fondos, junto con otros elementos cinematográficos, como un filtro de grano de filme y trabajar en intervalos de 2, terminará por darle un aspecto antiguo sin perder sus formas modernas y frescas.

Técnicas y Herramientas

En la animación se conocen varias técnicas. En general, podemos dividirlas en dos: 2D y 3D. La primera utiliza el dibujo y la pintura, ya sea analógica o digital. La segunda depende del modelado analógico para el stop motion y del digital mediante software computarizado. Al igual que los géneros, las técnicas pueden ser mixtas y aplicarse durante la fase de producción y/o postproducción.

Dependiendo de la técnica, experimentamos distintas maneras de elaborar mientras exploramos los límites del proyecto. Realizar pruebas, donde participen los artistas de forma colaborativa, de las distintas disciplinas y talentos, nos permite previsualizar el estilo definitivo y practicar para la fase de producción.

Para LSD todo lo hicimos de manera digital, para crear personajes usamos Photoshop y Procreate (bocetos), MOHO (ilustración vectorial, rigging , animación y render) y por último After Effects (postprodución, FX y render final). Es irónico que a pesar de trabajar plenamente en digital, buscamos resultados que se asemejen a técnicas tradicionales. Pero estas son una de las grandes ventajas ilusorias que nos permite el medio digital, además de ahorros en tiempo y dinero. 

Perfilar un estilo requiere de prácticas previas a la producción final. Limitarse a experimentar este proceso una vez en medio de la producción traerá problemas graves de consistencia en el discurso visual, provocando atascos y accidentes por no conocer los límites de las técnicas, talentos y tecnologías.